Review by Rick Anderson On this unusual album, Roy Hargrove (trumpet, flugelhorn), Christian McBride (bass) and Stephen Scott (piano) pay homage to the father of bebop with a generous set of (mostly) Charlie Parker compositions performed in trio, duet and solo arrangements. These three musicians, all of whom are part of the back-to-bop youth movement and all of whom have made names for themselves as session players and fledgling bandleaders, approach the tunes with a combination of reverence and iconoclastic innovation -- how often do you think you'll hear "Red Cross" as a bass solo or "Chasin' the Bird" as a trumpet/bass duet? This approach has its limitations, of course; as revealing as Hargrove's solo take on "Dewey Square" is, sometimes the weight of rhythmic responsibility weighs too heavily on McBride's shoulders during the trio numbers, and the groove suffers. Unless you're listening on headphones or in a quiet room with very good speakers, the rhythmic thread of the bassline can easily get lost in the mix, leaving Scott's syncopated comping sounding disjointed. But it doesn't happen very often, and the overall effect of this album is one of new light being shed on an aging but beautiful art collection. Those who know these tunes already will enjoy the album most. Those who don't will find they have much to learn, and should be excited at the prospect.
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Reseña de Rick Anderson En este inusual álbum, Roy Hargrove (trompeta, flugelhorn), Christian McBride (bajo) y Stephen Scott (piano) rinden homenaje al padre del bebop con un generoso conjunto de composiciones (en su mayoría) de Charlie Parker interpretadas en trío, dúo y arreglos en solitario. Estos tres músicos, que forman parte del movimiento juvenil del back-to-bop y que se han hecho un nombre como músicos de sesión y directores de banda noveles, abordan las melodías con una combinación de reverencia e innovación iconoclasta: ¿cuántas veces crees que escucharás "Red Cross" como un solo de bajo o "Chasin' the Bird" como un dúo de trompeta y bajo? Este enfoque tiene sus limitaciones, por supuesto; por muy revelador que sea el solo de Hargrove en "Dewey Square", a veces el peso de la responsabilidad rítmica pesa demasiado sobre los hombros de McBride durante los números del trío, y el ritmo se resiente. A no ser que se escuche con auriculares o en una habitación silenciosa con muy buenos altavoces, el hilo rítmico de la línea de bajo puede perderse fácilmente en la mezcla, dejando que la composición sincopada de Scott suene inconexa. Pero esto no sucede muy a menudo, y el efecto general de este álbum es el de una nueva luz que se arroja sobre una colección de arte envejecida pero hermosa. Los que ya conozcan estas melodías disfrutarán más del álbum. Los que no las conozcan descubrirán que tienen mucho que aprender, y deberían estar entusiasmados ante la perspectiva.
Trumpeter Roy Hargrove has firmly established himself as one of this
generation's premier players in jazz and beyond. Hargrove was born in
Waco, TX on October 16, 1969. Inspired by the gospel music he heard in
church on Sundays and the R&B and funk music that played on the
radio, Roy began learning the trumpet in the fourth grade. By junior
high school, he was playing at an advanced level of proficiency. At 16,
he was studying music at Dallas's prestigious Booker T. Washington
School for the Visual and Performing Arts.
Midway through his junior year, Roy was “discovered” by Wynton Marsalis,
who was conducting a jazz clinic at the school. Impressed, Marsalis
invited Roy to sit in with his band at Ft. Worth's Caravan of Dreams
Performing Arts Center. Subsequently, Hargrove was able to return to the
venue over a period of the next three months, sitting in with Dizzy
Gillespie, Herbie Hancock, Freddie Hubbard and Bobby Hutcherson. Word of
Roy’s talent reached Paul Ackett, founder and Director of The North Sea
Jazz Festival who arranged for him to perform there that summer. This
led to a month-long European Tour.
Hargrove spent one year (1988-1989) studying at Boston's Berklee School
of Music, but could more often be found in NYC jam sessions, which
resulted in his transferring to New York’s New School. His first
recording in NYC was with the saxophonist Bobby Watson followed shortly
by a session with the up-and-comers super group, Superblue featuring
Watson, Mulgrew Miller and Kenny Washington. In 1990, he released his
solo debut, Diamond In The Rough, on the Novus/RCA label, for which he
would record a total of four albums that document his incubational
growth as a “young lion” to watch. Hargrove made his Verve Records debut
in 1994 on With The Tenors Of Our Time, showcasing him with stellar sax
men Joe Henderson, Stanley Turrentine, Johnny Griffin, Joshua Redman
and Branford Marsalis.
Every album Roy has released on Verve has been different from the one
preceding it. And the same can be said of the array of talents who have
invited him to grace the stage and/or their recordings - from jazz
legends Sonny Rollins and Jackie McLean to song stylists Natalie Cole,
Diana Krall and Abbey Lincoln. From pop veterans Diana Ross, Steve
Tyrell and Kenny Rankin to younger stars John Mayer and Rhian Benson to
the crème de la crème of jazz divas: Carmen McRae and the late, great
Shirley Horn. Hargrove was also commissioned by the Lincoln Jazz Center
to compose the piece “The Love Suite: In Mahogany,” which was performed
in 1993. He is also a superstar of the international touring scene with
his quintet, RH Factor, and as a soloist.
In 2005, he was a featured guest with Slide Hampton and The Dizzy
Gillespie All Star Band in bi-coastal tributes to James Moody in honor
of the saxophonist's 80th birthday at Disney Hall in Los Angeles, the
Kennedy Center in Washington, DC, and approximately 25 other concerts
around the globe. As RH Factor attests, Roy is also a product of the hip
hop generation. He can be heard on a cover of rapper Method Man’s “All I
Need” the album- opening track of producer Tony Joseph’s 2005 Verve
project Def Jazz (instrumental interpretations of rap classics from the
Def Jam label).
He has further ventured into the black pop mainstream as a collaborator
with edgy soul star D'Angelo and guest appearances on albums by neo soul
priestess Erykah Badu, thought-provoking rapper Common, and English
acid jazz DJ/producer Gilles Peterson.
Ever stretching into more challenging and colorful ways to flex his
musical chops, Hargrove has left indelible imprints in a vast array of
artful settings. During his tenure on the Verve label alone, he has
recorded an album with a hand- picked collection of the world’s greatest
tenor saxophonists (With The Tenors Of Our Time), an album of standards
with strings (Moment to Moment) and, in 2003, introduced his own hip
hop/jazz collective The RH Factor with the groundbreaking CD Hard Groove
(swiftly followed by the limited edition EP, Strength). Hargrove has
also won Grammy® Awards for two vastly different projects. In 1997,
Roy’s Cuban-based band Crisol — including piano legend Jesus “Chucho”
Valdes and wonder drummer Horatio “El Negro” Hernandez, and guitar
virtuoso Russell Malone - won the Best Latin Jazz Performance Grammy for
the album Habana. And in 2002, Hargrove, Herbie Hancock and Michael
Brecker won Best Instrumental Jazz Album, Individual or Group, for their
three-way collaboration, Directions In Music.
Hargrove brought two of his musical worlds closer together with the
simultaneous releases of Distractions and Nothing Serious — all new
recordings by both of Roy Hargrove’s touring ensembles. Distractions
features the contemporary funk/jazz sounds of The RH Factor. Nothing
Serious features straight ahead jazz by The Roy Hargrove Quintet with
special guest Slide Hampton on trombone. Verve A&R executive Dahlia
Ambach-Caplin explains, “When it came time to work on a new album, it
became clear that Roy currently has two sides to his music. Choosing one
over the other would not do him justice, so we went for both,
approaching them as two separate projects. The quintet recorded in March
of 2005 with 15-time GRAMMY award winning engineer Al Schmitt at
Capitol Studios in Los Angeles, California. The RH Factor recorded later
in May at Sausalito’s The Record Plant with engineer Russell Elevado.”
“I've been doing more touring with RH Factor than my quintet lately,”
Hargrove muses. “People are turning a deaf ear to jazz. Some of that is
the fault of jazz musicians trying too hard to appear to be cerebral.
They aren’t having fun playing the music and that's why people aren't
coming to hear it live anymore.
Hargrove goes on to say, “What do we have to offer in the world of jazz
today? It's about being innovative, which is cool. But innovation right
now will come in music that's swinging and feels good. It's meaningless
if it doesn't make you feel something.”
The bulk of the new 12-track RH Factor disc is inspired vocal
ruminations. Most telling is the knee-deep funk of “A Place,” the hook
of which poses the musical question, “If I Take You To A Place I love/If
I Change My Style/Would You Like It?” For the man who came to
prominence in the jazz realm, these lyrics reflect the on-going
challenge he has bridging the gap between the two styles of music that
dominate his direction. “My goal with RH Factor has always been to try
to erase the lines between the mainstream and the underground - straight
ahead and hip hop/R&B. You have musicians who know all the theory
and harmony. Then you have the musicians who have a direct line to the
masses and what they like to hear. If you can combine the two, it can be
something innovative as well.”
Other vocal numbers on the RH Factor disc include the feel- good track
“Crazy Race” (in which some of Hargrove’s trumpet lines recall a melody
from Earth, Wind & Fire’s “Brazilian Rhyme”) and “Can’t Stop,” both
uplifting messages about striving in the face of adversity.
Singer/songwriter Renee’ Neufville, a former member of the female soul
duo Zhane, who has been performing with RH Factor for the last two
years, wrote the laidback “On The One” (about missing an old lover), and
co-wrote three others with Hargrove: the aforementioned “A Place,” the
chill meditation “Family” and “Hold On,” which features vocals by none
other than Roy himself, Renee’ and RHF drummer Jason “JT” Thomas.
Commenting on his vocal feature on this album, Hargrove quips, “I sang
on “I’ll Stay” from the first RH Factor album, but this is the first
time I’ve sung several bars by myself.”
The man who sang with Roy on “I’ll Stay” was neo soul pioneer D’Angelo,
who returns on the new album producing, writing, singing and signifying
on the fiery “Bull****.” “I guess he brought me a track he thought would
be good for me to play over,” Roy states modestly. “He did the
automation at the Record Plant in Sausalito. The band played along to
what he programmed, he took it to L.A. to work on it some more, then
sent it back to me in New York where I worked on it at Electric Lady
Studios.” The song recalls old New Orleans as filtered through a funky
haze of modern hip hop boom-bap. “‘D’ most definitely blessed me,” Roy
concludes. The remaining RH Factor tracks are groove interludes titled
“Distractions” (1-4), plus the percolating psychedelics of the
instrumental “Kansas City.”
Recalling the humorous origin of the latter, Hargrove begins, “I was
playing a gig there with Directions in Music featuring Michael Brecker
and Herbie Hancock and I always carry my portable studio with me. I
wrote that in the hotel just after walking to get some fried chicken and
Blue Bell ice cream, which they don't sell in New York. I used to OD on
that stuff when I was living in Texas. When I got to KC and saw that
they were selling it there, I was so happy, I went back to the hotel and
wrote that song on the spot!”
Bringing all this RH Factor funk to life is a unique ensemble of Roy on
trumpet, two saxophonists (Keith Anderson and the legendary David
“Fathead” Newman), three keyboardists (Charles McCampbell, Bobby Sparks
and Neufville), one guitarist (Todd Parsnow), two drummers (Jason “JT”
Thomas and Willie Jones III), and - most amazingly - two bass players
(Lenny Stalworth and Reggie Washington). “My regular bass player,
Reggie, couldn't make the recording sessions at first,” Hargrove shares.
“So I hired Lenny, a friend from Berklee, to do the record. But when
Reggie heard about Lenny - not wanting him to creep in and take his gig -
he was like ‘Wait a minute!’ I thought, ‘two bassists-two drummers -
let's go!’”
Going with the flow in more ways than one has long been a hallmark of
Hargrove’s approach. A major influence along those lines is sax man
David “Fathead” Newman, a world class player and among the most fabled
members of the late great Ray Charles’ band. It was an honor for Roy to
have him in the band for this special RH Factor project. “Fathead was
the first musician I ever saw improvise,” Hargrove remembers. “I was
about 14 when he came to Oliver Wendell Holmes Middle School in Dallas.
My band director, Dean Hill, was friends with Fathead and invited him to
the school. Fathead did a baritone solo over our tuba and drum sections
playing (Herbie Hancock’s) “Chameleon”. He was making a whole lot of
music without reading anything and I became very fascinated with that.
It put me on the road to learning how to improvise.”
Where Roy describes the RH Factor disc Distractions as “coming more from
my personal archives,” Nothing Serious featuring his jazz quintet is a
completely different animal...and not just stylistically. “It's
important with a straight ahead group for everyone to contribute,”
Hargrove explains. “Opening things up compositionally keeps the program
well-rounded. And even when they're playing my tunes, everybody’s sound
shapes the song.” A key to this cohesiveness can be found in the title
of the quintet disc’s fourth track: “Camaraderie.” “That tune is a
vehicle for the band to play in a more avant garde way yet still keep it
‘in,’” Hargrove states. Breaking it down even further, he elaborates,
“The title suggests togetherness, and a good group has to be very
cohesive...everybody knowing where everyone else is breathing. That way
if you decide to take the music ‘out,’ whatever happens remains musical.
The song is organized chaos, all coming together within a minor blues.”
“Camaraderie” also has the distinction of being inspired by the late
trumpet great, Lester Bowie, the forward thinking co-founder of the
acclaimed Art Ensemble of Chicago. Roy recalls their meeting. “I was
playing a jam session one night in Italy and Lester was there listening.
I was playing all my bebop. He came up to me and said, ‘Man, take it
out!’ I said, ‘What do you mean?’ He said, ‘Stop playing all that pretty
stuff. Play something ugly!’ So I started playing less
inside...screamin'...makin’ a lot of noise. Lester lit up like, ‘Yeah!’
It was a lesson for me.”
The 8-song Roy Hargrove Quintet disc Nothing Serious moves from Roy’s
breathtaking and sensual flugelhorn ballad “Trust” and the enveloping
warmth of “The Gift” to a fierce waltz time swinger “Salima’s Dance”
(from the pen of pianist Ronnie Matthews), a relentlessly winding study
in melody from bassist D’Wayne Burno evocatively titled “Devil Eyes,”
and a whirl through the magical changes of Branislau Kaper’s
“Invitation,” the set’s sole jazz standard. Rounding out the stellar
quintet are alto saxophonist Justin Robinson (who also plays some lovely
flute on “Trust”) and drummer Willie Jones III, the latter of whom has
been playing in Hargrove’s groups for eight years. As a whole, this
incarnation of the Roy Hargrove Quintet has been playing together for
four years, the tightness of which is evident throughout the disc. The
band perfected most of the material on the road before the recording.
One glowing exception is the lushly swingin’ “A Day in Vienna,”
contributed by special guest Slide Hampton, a living giant of jazz. Roy
cut his teeth with Hampton’s band in a trumpet section that included
greats Jon Faddis and Claudio Roditi (documented on the Telarc Records
CD Dedicated to Diz, a Slide Hampton & The Jazz Masters set from `93
recorded live at the Village Vanguard). “Slide has been a big part of
my education. I can't tell you know much playing charts from the
original Dizzy Big Band book with that group helped me. The way that
Slide arranges and voices, he knows how to take a small group of horns
and make it sound like an orchestra.” Listen to Roy’s own “Trust” to
hear that he learned Slide’s lessons well.
Touching back on the statement Roy made at the outset about the state of
jazz and jazz audiences today, the music world would be hard pressed to
find another ambassador capable of traversing the worlds of straight
ahead swingin’ and the funky underground better than Brother Hargrove.
The RH Factor’s Distractions and The Roy Hargrove Quintet’s Nothing
Serious stand as the actual proof.
~ 2 0 0 8 ~
Virtuoso US trumpeter Roy Hargrove returns with his latest album,
Earfood, a richly hued acoustic jazz suite that effortlessly brings
together his multi- faceted musical vision — of deep grooves, memorable
tunes and superb ensemble playing and solos. Thus Earfood presents a
richly coloured snapshot of an artist reaching his prime, a young player
once dubbed ubiquitously as the ‘Young Lion’, is now head of The Jazz
Pride. He’s nothing left to prove as his current trumpet sound reveals
in his total command of tone that’s inflected with subtle emotions and,
when needed, pure hard bop power. Yet as he reveals in his liner notes,
he now just wants to play tuneful, melodic music, that reaches out to an
audience “wherever they are coming from.”
Hargrove explains his simple inspirations behind this great new addition
to his illustrious catalogue of work: “This recording was made to bring
sonic pleasure to the listener. It is my working quintet, playing a
repertoire consisting of songs we play live while on tour, mixed in with
a few new originals. Simple melodies moving around luscious chords,
allow us to capture the attention, and give a feeling of transcendence.
The cohesive sound of the group is a result of our constant touring, and
getting to know one another, on and off of the bandstand. These are key
elements in developing a tight sound, and in less time wasted in the
studio. My goal in this project is to have a recording that is steeped
in tradition and sophistication, while maintaining a sense of melodic
simplicity.”
The following is an excerpt from C. Michael Bailey's article (AAJ 8/10/08):
Trumpeter Roy Hargrove emerged into jazz consciousness as one of the
“young lions” who beamed into the late 1980s and early 1990s. Other
notable contemporary trumpeters include Terence Blanchard, Nicholas
Payton, Kermit Ruffins, and Wallace Roney. All are associated with
different genre traditions, Hargrove's being most closely associated
with Lee Morgan.
Hargrove's association with Morgan's style nevertheless has not
prevented the young trumpeter from approaching music from a broad
perspective. Hargrove and his Latin- Cuban band, Crisol, won a Grammy
Award in 1998 for Habana (Verve, 1997). Hargrove participated in pianist
Herbie Hancock's Directions in Music (Verve, 2002), earning a second
Grammy Award.
Hargrove does not limit himself to “jazz,” however. He has also been
active in the neo-electric-funk-soul arena with his band RH-Factor,
releasing Distractions (Verve, 2006). If Roy Hargrove has been
approaching his time to shine, it is here now.
Hargrove returns to his roots with Earfood (Emarcy, 2008). [The liner
notes quote Hargrove] “My goal in this project is to have a recording
that is steeped in tradition and sophistication, while maintaining a
sense of melodic simplicity.” One would suspect that many of Hargrove's
generation desire the same projects. That said, Hargrove enjoys complete
success in achieving his goal with Earfood.
As a trumpeter, composer, and an arranger, Roy Hargrove has been a
mainstay of the contemporary music scene in a variety of formats for
nearly two decades. Nevertheless, his big band experience has been
limited mostly to his appearances with the Dizzy Gillespie All-Star Big
Band, with which he has most ably proved himself an heir to the late
trumpet legend's mantle. Hargrove has been steadily accumulating big
band experience in his own right since 1995, however, and Emergence is
therefore most aptly titled, for it represents Hargrove's full-fledged
emergence into the large ensemble idiom.
Source: Kandie Le Britain Webster, Editor
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El trompetista Roy Hargrove se ha establecido firmemente como uno de los
principales músicos de esta generación en el jazz y más allá. Hargrove
nació en Waco, TX el 16 de octubre de 1969. Inspirado por la música
gospel que escuchaba en la iglesia los domingos y la música R&B y
funk que sonaba en la radio, Roy comenzó a aprender la trompeta en el
cuarto grado. En la escuela secundaria, tocaba a un nivel avanzado de
competencia. A los 16 años, estudiaba música en la prestigiosa escuela
Booker T. Washington School for the Visual and Performing Arts de
Dallas.
A mediados de su tercer año, Roy fue "descubierto" por Wynton Marsalis,
que dirigía una clínica de jazz en la escuela. Impresionado, Marsalis
invitó a Roy a sentarse con su banda en el centro de artes escénicas
Caravan of Dreams de Ft. Worth. Posteriormente, Hargrove pudo volver al
lugar durante los tres meses siguientes, junto con Dizzy Gillespie,
Herbie Hancock, Freddie Hubbard y Bobby Hutcherson. La noticia del
talento de Roy llegó a Paul Ackett, fundador y director del Festival de
Jazz del Mar del Norte, que hizo los arreglos para que actuara allí ese
verano. Esto llevó a una gira europea de un mes de duración.
Hargrove pasó un año (1988-1989) estudiando en la Berklee School of
Music de Boston, pero se le podía encontrar más a menudo en las jam
sessions de la ciudad de Nueva York, lo que resultó en su traslado a la
New School de Nueva York. Su primera grabación en NYC fue con el
saxofonista Bobby Watson, seguida poco después de una sesión con el
prometedor supergrupo Superblue, en el que participaban Watson, Mulgrew
Miller y Kenny Washington. En 1990, lanzó su debut en solitario, Diamond
In The Rough, en el sello Novus/RCA, para el que grabaría un total de
cuatro álbumes que documentan su crecimiento como un "joven león" a
seguir. Hargrove hizo su debut con Verve Records en 1994 en With The
Tenors Of Our Time, presentándolo con los saxofonistas estelares Joe
Henderson, Stanley Turrentine, Johnny Griffin, Joshua Redman y Branford
Marsalis.
Cada álbum que Roy ha publicado en Verve ha sido diferente del anterior.
Y lo mismo puede decirse del conjunto de talentos que le han invitado a
engalanar el escenario y/o sus grabaciones - desde las leyendas del
jazz Sonny Rollins y Jackie McLean hasta los estilistas de canciones
Natalie Cole, Diana Krall y Abbey Lincoln. Desde los veteranos del pop
Diana Ross, Steve Tyrell y Kenny Rankin hasta las jóvenes estrellas John
Mayer y Rhian Benson y la flor y nata de las divas del jazz: Carmen
McRae y la difunta y gran Shirley Horn. Hargrove también fue comisionado
por el Lincoln Jazz Center para componer la pieza "The Love Suite": En
caoba", que fue interpretada en 1993. También es una superestrella de la
escena internacional de giras con su quinteto, RH Factor, y como
solista.
En 2005, fue invitado con Slide Hampton y The Dizzy Gillespie All Star
Band en tributos bi-coitales a James Moody en honor al 80 cumpleaños del
saxofonista en el Disney Hall de Los Ángeles, el Kennedy Center de
Washington, DC, y aproximadamente otros 25 conciertos en todo el mundo.
Como el Factor RH atestigua, Roy es también un producto de la generación
del hip hop. Se le puede escuchar en la portada de "All I Need" del
rapero Method Man, el tema de apertura del proyecto Verve 2005 del
productor Tony Joseph, Def Jazz (interpretaciones instrumentales de
clásicos del rap del sello Def Jam).
También se ha aventurado en la corriente principal del pop negro como
colaborador de la estrella del soul D'Angelo y como invitado en los
álbumes de la sacerdotisa del neo soul Erykah Badu, del rapero Common,
que invita a la reflexión, y del DJ/productor de acid jazz inglés Gilles
Peterson.
Cada vez más desafiante y colorido para flexionar sus chuletas
musicales, Hargrove ha dejado huellas indelebles en una amplia gama de
escenarios artísticos. Durante su permanencia en el sello Verve, ha
grabado un álbum con una colección escogida a mano de los saxofonistas
tenores más grandes del mundo (With The Tenors Of Our Time), un álbum de
estándares con cuerdas (Moment to Moment) y, en 2003, introdujo su
propio colectivo de hip hop/jazz The RH Factor con el innovador CD Hard
Groove (rápidamente seguido por la edición limitada EP, Strength).
Hargrove también ha ganado premios Grammy® por dos proyectos muy
diferentes. En 1997, la banda Crisol de Roy, con sede en Cuba
-incluyendo a la leyenda del piano Jesús "Chucho" Valdés y al
maravilloso baterista Horatio "El Negro" Hernández, y al virtuoso de la
guitarra Russell Malone- ganó el Grammy a la mejor interpretación de
jazz latino por el álbum Habana. Y en 2002, Hargrove, Herbie Hancock y
Michael Brecker ganaron el premio al Mejor Álbum de Jazz Instrumental,
Individual o Grupal, por su colaboración a tres bandas, Directions In
Music.
Hargrove acercó dos de sus mundos musicales con los lanzamientos
simultáneos de Distracciones y Nada Serio - todas nuevas grabaciones de
los dos grupos de gira de Roy Hargrove. Distracciones presenta los
sonidos contemporáneos de funk/jazz de The RH Factor. Nothing Serious
presenta el jazz directo de The Roy Hargrove Quintet con el invitado
especial Slide Hampton en el trombón. La ejecutiva de Verve A&R,
Dahlia Ambach-Caplin, explica: "Cuando llegó el momento de trabajar en
un nuevo álbum, quedó claro que Roy tiene actualmente dos caras en su
música. Elegir una sobre la otra no le haría justicia, así que nos
decantamos por ambas, enfocándolas como dos proyectos separados. El
quinteto grabó en marzo de 2005 con el ingeniero Al Schmitt, ganador de
15 premios GRAMMY, en los Capitol Studios de Los Ángeles, California.
The RH Factor grabó más tarde en mayo en Sausalito's The Record Plant
con el ingeniero Russell Elevado."
"He estado haciendo más giras con RH Factor que mi quinteto
últimamente", musita Hargrove. "La gente está haciendo oídos sordos al
jazz. Parte de eso es culpa de los músicos de jazz que se esfuerzan por
parecer cerebrales. No se divierten tocando la música y por eso la gente
ya no viene a escucharla en vivo.
Hargrove continúa diciendo, "¿Qué tenemos que ofrecer en el mundo del
jazz hoy en día? Se trata de ser innovadores, lo cual es genial. Pero la
innovación ahora mismo vendrá en la música que es swing y se siente
bien. No tiene sentido si no te hace sentir algo".
La mayor parte del nuevo disco de 12 pistas de RH Factor está inspirado
en rumores vocales. Lo más revelador es el funk hasta la rodilla de "A
Place", cuyo gancho plantea la pregunta musical, "Si te llevo a un lugar
que me encanta/si cambio de estilo/te gustaría?" Para el hombre que
llegó a la prominencia en el reino del jazz, estas letras reflejan el
desafío continuo que tiene para cerrar la brecha entre los dos estilos
de música que dominan su dirección. "Mi objetivo con RH Factor siempre
ha sido tratar de borrar las líneas entre la corriente principal y el
underground - recto y hip hop/R&B. Tienes músicos que conocen toda
la teoría y la armonía. Luego tienes a los músicos que tienen una línea
directa con las masas y lo que les gusta oír. Si puedes combinar ambos,
puede ser algo innovador también."
Otros números vocales del disco RH Factor incluyen la canción "Crazy
Race" (en la que algunas de las líneas de trompeta de Hargrove recuerdan
una melodía de Earth, Wind & Fire's "Brazilian Rhyme") y "Can't
Stop", ambos mensajes edificantes sobre el esfuerzo ante la adversidad.
La cantante y compositora Renee' Neufville, ex miembro del dúo de soul
femenino Zhane, que ha actuado con RH Factor durante los dos últimos
años, escribió el relajado "On The One" (sobre la pérdida de un viejo
amante), y co-escribió otros tres con Hargrove: el ya mencionado "A
Place", la meditación chill "Family" y "Hold On", que cuenta con las
voces de nada menos que el propio Roy, Renee' y el baterista de RHF
Jason "JT" Thomas. Comentando sobre su característica vocal en este
álbum, Hargrove dice: "Canté en "I'll Stay" del primer álbum de RH
Factor, pero esta es la primera vez que he cantado varios compases yo
solo".
El hombre que cantó con Roy en "I'll Stay" fue el pionero del neo-soul
D'Angelo, que regresa en el nuevo álbum produciendo, escribiendo,
cantando y significando en el ardiente "Bull****". "Supongo que me trajo
una pista que pensó que sería buena para que yo la tocara", afirma Roy
modestamente. "Hizo la automatización en la planta de discos de
Sausalito. La banda tocó lo que él programó, se lo llevó a Los Ángeles
para trabajar en él un poco más, y luego me lo envió a Nueva York donde
trabajé en los estudios Electric Lady." La canción recuerda a la vieja
Nueva Orleans filtrada a través de una neblina funky del moderno
boom-bap del hip hop. "D' definitivamente me bendijo", concluye Roy. El
resto de los temas de RH Factor son interludios de groove titulados
"Distracciones" (1-4), además de los psicodélicos penetrantes del
instrumental "Kansas City".
Recordando el origen humorístico de este último, Hargrove comienza:
"Estaba tocando un concierto allí con Directions in Music con Michael
Brecker y Herbie Hancock y siempre llevo mi estudio portátil conmigo. Lo
escribí en el hotel justo después de caminar para comprar pollo frito y
helado Blue Bell, que no venden en Nueva York. Solía tener una
sobredosis de esas cosas cuando vivía en Texas. Cuando llegué a KC y vi
que lo vendían allí, me alegré tanto que volví al hotel y escribí esa
canción en el acto".
Para dar vida a todo este funk de RH Factor hay un conjunto único de Roy
a la trompeta, dos saxofonistas (Keith Anderson y el legendario David
"Fathead" Newman), tres teclistas (Charles McCampbell, Bobby Sparks y
Neufville), un guitarrista (Todd Parsnow), dos bateristas (Jason "JT"
Thomas y Willie Jones III) y, lo que es más sorprendente, dos bajistas
(Lenny Stalworth y Reggie Washington). "Mi bajista habitual, Reggie, no
pudo hacer las sesiones de grabación al principio", comparte Hargrove.
"Así que contraté a Lenny, un amigo de Berklee, para hacer el disco.
Pero cuando Reggie se enteró de lo de Lenny, no queriendo que se colara
en su concierto, dijo: "¡Espera un momento!". Pensé: "dos bajistas, dos
bateristas, ¡vamos!"
Seguir la corriente en más de un sentido ha sido durante mucho tiempo un
sello distintivo del enfoque de Hargrove. Una gran influencia en este
sentido es el saxofonista David "Fathead" Newman, un jugador de clase
mundial y uno de los miembros más legendarios de la última gran banda de
Ray Charles. Fue un honor para Roy tenerlo en la banda para este
proyecto especial de RH Factor. "Fathead fue el primer músico que vi
improvisar", recuerda Hargrove. "Tenía unos 14 años cuando llegó a la
escuela media Oliver Wendell Holmes en Dallas. El director de mi banda,
Dean Hill, era amigo de Fathead y lo invitó a la escuela. Fathead hizo
un solo de barítono sobre nuestras secciones de tuba y batería tocando
(Herbie Hancock) "Chameleon". Hacía mucha música sin leer nada y eso me
fascinó mucho. Me puso en el camino de aprender a improvisar."
Donde Roy describe el disco RH Factor Distracciones como "que viene más
de mis archivos personales", Nada Serio con su quinteto de jazz es un
animal completamente diferente... y no sólo estilísticamente. "Es
importante que con un grupo de directo todos contribuyan", explica
Hargrove. "Abrir las cosas desde el punto de vista compositivo mantiene
el programa bien equilibrado. E incluso cuando tocan mis canciones, el
sonido de todos da forma a la canción." La clave de esta cohesión se
encuentra en el título de la cuarta pista del disco del quinteto:
"Camaradería". "Esa melodía es un vehículo para que la banda toque de
una manera más vanguardista y aún así mantenerla 'dentro'", afirma
Hargrove. Desglosándolo aún más, explica: "El título sugiere unión, y un
buen grupo tiene que ser muy cohesivo... todo el mundo sabe dónde están
respirando los demás. De esa manera, si decides sacar la música, lo que
ocurra sigue siendo musical. La canción es un caos organizado, todo se
une dentro de un blues menor". "Camaradería" también tiene la distinción
de estar inspirado por el gran trompetista fallecido, Lester Bowie, el
cofundador progresista del aclamado Art Ensemble de Chicago. Roy
recuerda su encuentro. "Estaba tocando en una jam session una noche en
Italia y Lester estaba allí escuchando. Estaba tocando todo mi bebop. Se
acercó a mí y me dijo: "Hombre, ¡sácalo! Le dije: "¿Qué quieres decir?"
Él dijo: "Deja de jugar con todas esas cosas bonitas". Toca algo feo!'
Así que empecé a tocar menos por dentro... gritando... haciendo mucho
ruido. Lester se iluminó como, "¡Sí! Fue una lección para mí".
El disco de 8 canciones de Roy Hargrove Quintet Nothing Serious pasa de
la impresionante y sensual balada de fliscorno de Roy "Trust" y la
envolvente calidez de "The Gift" a un feroz vals de intercambio de
tiempo "Salima's Dance" (de la pluma del pianista Ronnie Matthews), un
estudio implacablemente sinuoso en la melodía del bajista D'Wayne Burno
titulado evocativamente "Ojos de Diablo", y un giro a través de los
mágicos cambios de la "Invitación" de Branislau Kaper, el único estándar
de jazz del conjunto. Completan el quinteto estelar el saxofonista alto
Justin Robinson (que también toca una encantadora flauta en "Trust") y
el baterista Willie Jones III, este último ha estado tocando en los
grupos de Hargrove durante ocho años. En conjunto, esta encarnación del
quinteto de Roy Hargrove ha estado tocando juntos durante cuatro años,
cuya firmeza es evidente en todo el disco. La banda perfeccionó la mayor
parte del material en la carretera antes de la grabación.
Una excepción brillante es el exuberante swing "A Day in Vienna",
aportado por el invitado especial Slide Hampton, un gigante viviente del
jazz. Roy se formó con la banda de Hampton en una sección de trompetas
que incluía a los grandes Jon Faddis y Claudio Roditi (documentado en el
CD de Telarc Records Dedicated to Diz, un set de Slide Hampton &
The Jazz Masters de `93 grabado en vivo en el Village Vanguard). "Slide"
ha sido una gran parte de mi educación. No puedo decir que me ayudó
mucho tocar en las listas de éxitos del libro original de la Dizzy Big
Band con ese grupo. Por la forma en que Slide arregla y hace las voces,
sabe cómo tomar un pequeño grupo de trompetas y hacer que suene como una
orquesta." Escuchen el "Trust" de Roy para saber que aprendió bien las
lecciones de Slide.
Remitiéndonos a la declaración que Roy hizo al principio sobre el estado
del jazz y las audiencias de jazz hoy en día, el mundo de la música
estaría muy presionado para encontrar otro embajador capaz de atravesar
los mundos del swingin' straight ahead y el funky underground mejor que
el hermano Hargrove. Las distracciones del Factor RH y el Quinteto Nada
Serio de Roy Hargrove son la prueba.
~ 2 0 0 8 ~
El virtuoso trompetista estadounidense Roy Hargrove regresa con su
último álbum, Earfood, una suite de jazz acústico de ricos colores que
reúne sin esfuerzo su visión musical multifacética - de ritmos
profundos, melodías memorables y excelentes interpretaciones en conjunto
y solos. Earfood presenta así una instantánea muy colorida de un
artista que está alcanzando su mejor momento, un joven intérprete que
antes era conocido como el "Joven León", y que ahora es el director de
The Jazz Pride. No le queda nada que demostrar, ya que su actual sonido
de trompeta se revela en su total dominio del tono, que se inflexiona
con sutiles emociones y, cuando es necesario, puro poder del hard bop.
Sin embargo, como revela en sus notas de línea, ahora sólo quiere tocar
música melódica y afinada, que llegue a una audiencia "de donde sea que
vengan".
Hargrove explica sus simples inspiraciones detrás de esta gran nueva
adición a su ilustre catálogo de trabajo: "Esta grabación fue hecha para
traer placer sónico al oyente. Es mi quinteto de trabajo, tocando un
repertorio que consiste en canciones que tocamos en vivo mientras
estamos de gira, mezcladas con algunos nuevos originales. Melodías
simples que se mueven alrededor de acordes exquisitos, nos permiten
captar la atención y dar una sensación de trascendencia. El sonido
cohesivo del grupo es el resultado de nuestras constantes giras, y de
conocernos unos a otros, dentro y fuera del quiosco. Estos son elementos
clave para desarrollar un sonido ajustado, y en menos tiempo perdido en
el estudio. Mi objetivo en este proyecto es tener una grabación que
esté impregnada de tradición y sofisticación, manteniendo un sentido de
simplicidad melódica".
El siguiente es un extracto del artículo de C. Michael Bailey (AAJ 8/10/08):
El trompetista Roy Hargrove emergió a la conciencia del jazz como uno de
los "jóvenes leones" que resplandecieron a finales de los 80 y
principios de los 90. Otros notables trompetistas contemporáneos
incluyen a Terence Blanchard, Nicholas Payton, Kermit Ruffins y Wallace
Roney. Todos están asociados con diferentes tradiciones de género,
siendo Hargrove el más asociado con Lee Morgan.
Sin embargo, la asociación de Hargrove con el estilo de Morgan no ha
impedido que el joven trompetista se acerque a la música desde una
perspectiva amplia. Hargrove y su banda latino-cubana, Crisol, ganaron
un premio Grammy en 1998 por La Habana (Verve, 1997). Hargrove participó
en Directions in Music del pianista Herbie Hancock (Verve, 2002), con
el que obtuvo un segundo premio Grammy.
Sin embargo, Hargrove no se limita al "jazz". También ha estado activo
en el ámbito del neo-electric-funk-soul con su banda RH-Factor, lanzando
Distractions (Verve, 2006). Si Roy Hargrove se ha acercado a su momento
de brillar, ya está aquí.
Hargrove vuelve a sus raíces con Earfood (Emarcy, 2008). [Las notas del
liner citan a Hargrove] "Mi objetivo en este proyecto es tener una
grabación que esté impregnada de tradición y sofisticación, mientras
mantengo un sentido de simplicidad melódica". Uno podría sospechar que
muchos de la generación de Hargrove desean los mismos proyectos. Dicho
esto, Hargrove disfruta de un éxito total en el logro de su objetivo con
Earfood.
Como trompetista, compositor y arreglista, Roy Hargrove ha sido un pilar
de la escena musical contemporánea en una variedad de formatos durante
casi dos décadas. Sin embargo, su experiencia en la big band se ha
limitado principalmente a sus apariciones con la Dizzy Gillespie
All-Star Big Band, con la que ha demostrado ser el heredero del último
manto de la leyenda de la trompeta. Sin embargo, Hargrove ha ido
acumulando experiencia en la big band por derecho propio desde 1995, y
"Emergencia" es por lo tanto el título más adecuado, ya que representa
el pleno surgimiento de Hargrove en el idioma de los grandes conjuntos.
Fuente: Kandie Le Britain Webster, Editora
Traducción realizada con la versión gratuita del traductor www.DeepL.com/Translator
Review from AllMusic (by Dan Cross): A poorly put-together compilation, Approaching Standards serves only to illuminate Hargrove's failure to understand ballad material on his earlier recordings. Ballads dominate the album, accounting for seven of the album's ten tracks; Hargrove generally interprets them in a cool, emotionally detached manner which can be quite off-putting. Compiled from four albums whose recording dates span from 1989 to 1993, Approaching Standards somewhat more encouragingly also documents Hargrove's growth as a musician. "Everything I Have is Yours/Dedicated to You," taken from the 1993 recording Of Kindred Souls, finds Hargrove in a more mature frame of mind, and points toward the much better albums he would soon make. https://www.allmusic.com/album/approaching-standards-mw0000117312
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Reseña de AllMusic (por Dan Cross): Una compilación mal armada, Approaching Standards solo sirve para iluminar el fracaso de Hargrove en comprender el material de balada en sus grabaciones anteriores. Las baladas dominan el álbum, representando siete de las diez pistas del álbum; Hargrove generalmente las interpreta de una manera fría y emocionalmente distante que puede ser bastante desagradable. Compilado de cuatro álbumes cuyas fechas de grabación abarcan de 1989 a 1993, Approaching Standards de manera algo más alentadora también documenta el crecimiento de Hargrove como músico. "Everything I Have is Yours/Dedicated to You", tomada de la grabación de 1993 Of Kindred Souls, encuentra a Hargrove en un estado de ánimo más maduro, y apunta hacia los álbumes mucho mejores que pronto haría. https://www.allmusic.com/album/approaching-standards-mw0000117312
The subtitle of this comfortable recording, ballads & slow jams, tells the essential story in a nutshell. The groove master is once again surrounded by youngsters from the Verve roster, including trumpeters Roy Hargrove and Nicholas Payton, guitarist Mark Whitfield, bassist Christian McBride, and drummer Gregory Hutchinson. Captured during the same sessions as Jimmy’s recorded return to Verve, Damn, this outing concentrates on the intimacy of balladry. With the exception of Hutchinson, each takes a turn dueting with Smith, there are two trio tracks, two solos (including that now-tired melody “What a Wonderful World”), and a full blown opening take on “Stolen Moments.”
Of special note is Hargrove’s continued development on fluegelhorn. Not since Art Farmer went to the flumpet exclusively and Freddie Hubbard began to experience physical problems has there been a more buttery tone on fluegel, and he works in particularly sublime symmetry with the organ grinder on “You Better Go Now.” Payton’s rich, fat trumpet tone is quite fine on “Days of Wine and Roses,” proving this cat doesn’t need a fluegelhorn to churn the butter. Whitfield is an ideal soulmate for Smith, probably more so than any other guitarist of his generation. He has the deep soul to go along with a sweet string attack and ear for the blues. It’s nice to hear the master Jimmy Smith slowed down to a soulful croon, though even then his dexterity at the keys is dangerous; the man just can’t help it. Originally March 1, 1997 Updated April 25, 2019 – By Willard Jenkins https://jazztimes.com/archives/jimmy-smith-angel-eyes/
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El subtítulo de esta agradable grabación, ballads & slow jams, resume a la perfección su esencia. El maestro del groove vuelve a estar rodeado de jóvenes talentos del catálogo de Verve, entre los que se encuentran los trompetistas Roy Hargrove y Nicholas Payton, el guitarrista Mark Whitfield, el bajista Christian McBride y el baterista Gregory Hutchinson. Grabado durante las mismas sesiones que Damn, el regreso de Jimmy a Verve, este álbum se centra en la intimidad de las baladas. Con la excepción de Hutchinson, cada uno de ellos toca a dúo con Smith, hay dos temas a trío, dos solos (incluida la ya manida melodía «What a Wonderful World») y una versión completa de «Stolen Moments» para abrir el álbum.
Cabe destacar la continua evolución de Hargrove con la trompeta flugelhorn. Desde que Art Farmer se dedicó exclusivamente al flumpet y Freddie Hubbard comenzó a tener problemas físicos, no ha habido un tono más suave en el fliscorno, y él trabaja en una simetría particularmente sublime con el organista en «You Better Go Now». El tono rico y grueso de la trompeta de Payton es bastante bueno en «Days of Wine and Roses», lo que demuestra que este tipo no necesita un fliscorno para producir mantequilla. Whitfield es el compañero ideal para Smith, probablemente más que cualquier otro guitarrista de su generación. Tiene un alma profunda que acompaña a un dulce ataque de cuerdas y un oído para el blues. Es agradable escuchar al maestro Jimmy Smith ralentizar el ritmo para cantar con soul, aunque incluso entonces su destreza con las teclas es peligrosa; el hombre no puede evitarlo. Originalmente publicado el 1 de marzo de 1997. Actualizado el 25 de abril de 2019. – Por Willard Jenkins https://jazztimes.com/archives/jimmy-smith-angel-eyes/
Biography by Scott Yanow A fine pianist influenced by Oscar Peterson, Johnny O'Neal actually started his career playing gospel piano in church while a teenager. Inspired by Peterson, Art Tatum, and Bud Powell, O'Neal started exploring jazz in 1976 and after impressing Ray Brown, found his way into Milt Jackson's group. Other important jobs followed (with Sonny Stitt, Eddie "Lockjaw" Davis, and Buddy DeFranco), and in 1982, O'Neal moved to New York and soon recorded his debut with Concord. After playing regularly with Clark Terry, he was a member of Art Blakey's Jazz Messengers (1982-1983) and has mostly led his own groups ever since. Johnny O'Neal has recorded as a leader for Concord, Parkwood, and Justin Time (1995), taking three effective vocals on the latter set. https://www.allmusic.com/artist/johnny-oneal-mn0000085003#biography
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Biografía por Scott Yanow Johnny O'Neal, un excelente pianista influenciado por Oscar Peterson, comenzó su carrera tocando piano gospel en la iglesia cuando era adolescente. Inspirado por Peterson, Art Tatum y Bud Powell, O'Neal comenzó a explorar el jazz en 1976 y, tras impresionar a Ray Brown, entró a formar parte del grupo de Milt Jackson. Le siguieron otros trabajos importantes (con Sonny Stitt, Eddie «Lockjaw» Davis y Buddy DeFranco) y, en 1982, O'Neal se mudó a Nueva York y pronto grabó su debut con Concord. Después de tocar regularmente con Clark Terry, fue miembro de Art Blakey's Jazz Messengers (1982-1983) y, desde entonces, ha liderado principalmente sus propios grupos. Johnny O'Neal ha grabado como líder para Concord, Parkwood y Justin Time (1995), con tres efectivas voces en este último álbum. https://www.allmusic.com/artist/johnny-oneal-mn0000085003#biography
Glenn Miller, Count Basie, Ella Fitzgerald, Duke Ellington, Buddy Rich, Harry James, Sarah Vaughan, Quincy Jones, Woody Herman, Art Blakey & The Jazz Messengers, Dizzy Gillespie ...
Review by Ken Dryden Conversations
with Christian is an unusual release, as it features the veteran
bassist playing duets with a number of good friends. The vocal meetings
include Angélique Kidjo, Sting, and Dee Dee Bridgewater (the latter with
a hilarious, funky cover of the Isley Brothers' signature song "It's
Your Thing"). The pairings with musicians of McBride's generation
(trumpeter Roy Hargrove, tenor saxophonist Ron Blake, and guitarist
Russell Malone) all exceed expectations. There are several enjoyable
duets with pianists, one featuring Latin jazz master Eddie Palmieri, a
duo improvised tango by Chick Corea and the leader, plus an all too rare
acoustic outing by the talented George Duke (who tears up the keyboard
with his hard-charging "McDukey Blues"). But McBride's meetings with Dr.
Billy Taylor (playing his beautiful "Spiritual" with some potent arco
playing by the bassist) and the elegant, swinging meeting with the
gifted jazz master Hank Jones ("Alone Together") remain moments to
savor, as they are among the final recordings by the two jazz greats,
both of whom died in 2010. The last track is a funky blues just for
laughs, with actress Gina Gershon joining the bassist by playing a Jew's
harp, and featuring lots of comic spoken exchanges between the two.
Throughout it all, Christian McBride plays with the chameleon-like
adaptability of a Milt Hinton or Ray Brown. In the two-plus decades
since arriving on the jazz scene, Christian McBride has demonstrated
that he is a jazz master in the making, and this is easily one of his
most compelling sets. https://www.allmusic.com/album/conversations-with-christian-mw0002231979
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Reseña por Ken Dryden Conversations
with Christian es un lanzamiento inusual, ya que presenta al veterano
bajista tocando a dúo con una serie de buenos amigos. Los encuentros
vocales incluyen a Angélique Kidjo, Sting y Dee Dee Bridgewater (esta
última con una divertidísima y funky versión de la emblemática canción
de los Isley Brothers "It's Your Thing"). Los dúos con músicos de la
generación de McBride (el trompetista Roy Hargrove, el saxofonista tenor
Ron Blake y el guitarrista Russell Malone) superan todas las
expectativas. Hay varios dúos agradables con pianistas, uno con el
maestro del jazz latino Eddie Palmieri, un tango improvisado a dúo por
Chick Corea y el líder, además de una salida acústica demasiado rara del
talentoso George Duke (que destroza el teclado con su duro "McDukey
Blues"). Pero los encuentros de McBride con el Dr. Billy Taylor (tocando
su hermosa "Spiritual" con un potente arco del bajista) y el elegante y
oscilante encuentro con el talentoso maestro del jazz Hank Jones
("Alone Together") siguen siendo momentos para saborear, ya que se
encuentran entre las últimas grabaciones de los dos grandes del jazz,
ambos fallecidos en El último tema es un blues funky sólo para reírse,
con la actriz Gina Gershon uniéndose al bajista tocando un arpa judía, y
con muchos intercambios cómicos hablados entre los dos. En todo
momento, Christian McBride toca con la adaptabilidad camaleónica de Milt
Hinton o Ray Brown. En las más de dos décadas que lleva en la escena
del jazz, Christian McBride ha demostrado que es un maestro en ciernes, y
éste es sin duda uno de sus sets más convincentes. https://www.allmusic.com/album/conversations-with-christian-mw0002231979
Recorded in 1993 during one of JALC's earliest seasons, this album is the only recording of Hargrove’s original composition— commissioned by Jazz at Lincoln Center. We are not only honoring Hargrove’s remarkable legacy through this release, but we are also celebrating what would have been his 54th birthday weekend. https://royhargroveofficial.com/the-love-suite-in-mahogany
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Grabado en 1993 durante una de las primeras temporadas de JALC, este álbum es la única grabación de la composición original de Hargrove, encargada por Jazz at Lincoln Center. No solo estamos honrando el notable legado de Hargrove a través de este lanzamiento, sino que también estamos celebrando lo que habría sido su fin de semana de 54 cumpleaños. https://royhargroveofficial.com/the-love-suite-in-mahogany
Artist Biography by Matt Collar A
highly adept jazz drummer and NEA Jazz Master, Jimmy Cobb initially
rose to fame in the hard bop era of the 1950s, balancing a powerful,
swinging style and a deep sensitivity for group dynamics. It was a style
Cobb first displayed as a sideman with Dinah Washington and Cannonball
Adderley before gaining wide recognition as a member of Miles Davis'
group, playing on the classic 1959 album Kind of Blue. After leaving
Davis, Cobb co-led a trio in the '60s with pianist Wynton Kelly and
bassist Paul Chambers, and over the years he worked with such luminaries
as Sarah Vaughan, Hank Jones, Ron Carter, David "Fathead" Newman, Nancy
Wilson, Dave Holland, and many others. While he did not record as a
leader until late into his career, he issued a handful of vibrant
small-group sessions, including 2003's Cobb's Groove, 2007's Cobb's
Corner, and 2014's The Original Mob.
Born Wilbur James Cobb in
1929, he grew up in Washington, D.C., where he bought his first drum set
at age 13 with money earned from his job as a busboy at a drugstore
lunch counter. Largely self-taught, he did briefly take lessons with
National Symphony percussionist Jack Dennett before playing
professionally. Exposed to the music of Billy Eckstine, Cobb developed a
love of jazz, and was soon drawing inspiration from drummers like Max
Roach, Kenny Clarke, Big Sid Catlett, and others. Work followed in the
D.C. area, including shows with Leo Parker, Benny Golson, Billie
Holiday, Pearl Bailey, and others. At age 21, Cobb relocated to New York
City, where he spent time in Earl Bostic's band before landing a spot
backing vocalist Dinah Washington. Following three years with
Washington, he joined saxophonist Cannonball Adderley and cornet player
Nat Adderley's quintet, appearing on albums like 1957's Sophisticated
Swing and 1958's Sharpshooters. There were also dates with Stan Getz,
Dizzy Gillespie, and Latin percussionist and bandleader Tito Puente.
It
was from his association with Adderley that Cobb joined Miles Davis'
group in the late '50s. He had previously played alongside Davis in the
Symphony Sid all-stars, but was officially asked to join Davis' group as
a replacement for Philly Joe Jones during the sessions for Porgy and
Bess. Cobb also appeared with Davis on Adderley's 1958 date Somethin'
Else. It was with Davis that Cobb gained his widest fame playing
alongside Adderley, John Coltrane, Bill Evans, Paul Chambers, and Wynton
Kelly in 1959 on the trumpeter's landmark album Kind of Blue. Arguably
the most influential and well-known jazz recording in history, Kind of
Blue garnered widespread attention for Davis' use of modal jazz
compositions, influenced by the work of George Russell. Several more
albums followed with Davis, including the Grammy-winning Sketches of
Spain, Someday My Prince Will Come, Live at Carnegie Hall, and In
Person: Friday Night at the Blackhawk. While with Davis, Cobb also
recorded with Freddie Hubbard, Art Pepper, Mark Murphy, and many more.
By
the early '60s, Cobb had left the Davis band, working instead with
fellow Davis rhythm section alum Wynton Kelly. Together, they played as a
trio with bassist Paul Chambers, backing Wes Montgomery, J.J. Johnson,
and Joe Henderson. As a trio, they also issued a handful of albums
including 1964's It's All Right, 1965's Blues on Purpose, and 1967's
Full View, ultimately parting ways after Chambers' death in 1969. In
1970, Cobb joined Sarah Vaughan's band, spending nine years with the
singer. He also continued his extensive freelance career, playing with
such luminaries as Sonny Stitt, Hank Jones, Ron Carter, Fathead Newman,
Nancy Wilson, Dave Holland, and many others. It was not until the '90s
that Cobb issued any albums under his own name, debuting alongside
vocalist Ada Montellanico with 1994's Encounter. Only for the Pure of
Heart followed in 1998 and featured the drummer's group with pianist
Richard Wyands, guitarist Peter Bernstein, and bassist John Webber.
In
2002, Cobb paid homage to former boss Davis with Four Generations of
Miles: A Live Tribute to Miles, which featured appearances by former
members of the trumpeter's various ensembles including guitarist Mike
Stern, bassist Ron Carter, and saxophonist George Coleman. Cobb's Groove
arrived the following year, and included pianist Wyands, bassist
Webber, and guest saxophonist Eric Alexander. The drummer was also the
focus of his own tribute album, 2006's Marsalis Music Honors Series:
Jimmy Cobb, which found Cobb playing many of his original compositions
with pianist Ellis Marsalis, saxophonist Andrew Speight, and bassist
Orlando Le Fleming. Also that year, he joined bassist Christian McBride
for New York Time. The quartet date Cobb's Corner arrived in 2007 and
featured trumpeter Roy Hargrove, who was also on board for Cobb's 2009
album Jazz in the Key of Blue, which arrived on the heels of the drummer
being named an NEA Jazz Master.
Along with performing, Cobb
moved into education, teaching master classes at such esteemed
institutions as the Stanford University Jazz Workshop, Parsons: The New
School for Jazz and Contemporary Music in New York City, the
Brooklyn-Queens Conservatory of Music. Following sessions for Peter
Bernstein, Federico Bonifazi, Steve Grossman, and others, he returned to
his own work in 2014, issuing the Smoke Session The Original Mob with
guitarist Bernstein, pianist Brad Mehldau, and bassist Webber. A second
Smoke Session followed in 2019 with This I Dig of You. That same year,
the drummer paired with German harmonica virtuoso Hendrik Meurkens for
Cobb's Pocket. Jimmy Cobb died at his home in New York City on May 24,
2020, after a battle with lung cancer. He was 91 years old. https://www.allmusic.com/artist/jimmy-cobb-mn0000350892/biography
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Biografía del artista por Matt Collar Jimmy
Cobb, baterista de jazz muy hábil y maestro de jazz del NEA, saltó a la
fama inicialmente en la era del hard bop de la década de 1950,
equilibrando un estilo potente y oscilante y una profunda sensibilidad
para la dinámica de grupo. Fue un estilo que Cobb mostró por primera vez
como músico de acompañamiento de Dinah Washington y Cannonball Adderley
antes de obtener un amplio reconocimiento como miembro del grupo de
Miles Davis, tocando en el clásico álbum de 1959 Kind of Blue. Tras
dejar a Davis, Cobb codirigió un trío en los años 60 con el pianista
Wynton Kelly y el bajista Paul Chambers, y a lo largo de los años
trabajó con luminarias como Sarah Vaughan, Hank Jones, Ron Carter, David
"Fathead" Newman, Nancy Wilson, Dave Holland y muchos otros. Aunque no
grabó como líder hasta el final de su carrera, publicó un puñado de
vibrantes sesiones de grupos pequeños, como Cobb's Groove de 2003,
Cobb's Corner de 2007 y The Original Mob de 2014.
Nacido como
Wilbur James Cobb en 1929, creció en Washington, D.C., donde compró su
primera batería a los 13 años con el dinero que ganó en su trabajo como
ayudante de camarero en una farmacia. En gran medida autodidacta,
recibió brevemente clases con el percusionista de la National Symphony
Jack Dennett antes de tocar profesionalmente. Expuesto a la música de
Billy Eckstine, Cobb se aficionó al jazz y pronto se inspiró en
bateristas como Max Roach, Kenny Clarke, Big Sid Catlett y otros. Siguió
trabajando en el área de D.C., incluyendo espectáculos con Leo Parker,
Benny Golson, Billie Holiday, Pearl Bailey y otros. A los 21 años, Cobb
se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde pasó un tiempo en la banda
de Earl Bostic antes de conseguir un puesto de acompañante de la
vocalista Dinah Washington. Después de tres años con Washington, se unió
al quinteto del saxofonista Cannonball Adderley y del corneta Nat
Adderley, apareciendo en álbumes como Sophisticated Swing de 1957 y
Sharpshooters de 1958. También tuvo citas con Stan Getz, Dizzy Gillespie
y el percusionista y director de orquesta latino Tito Puente.
Fue
a partir de su asociación con Adderley que Cobb se unió al grupo de
Miles Davis a finales de los 50. Anteriormente había tocado junto a
Davis en la Symphony Sid all-stars, pero se le pidió oficialmente que se
uniera al grupo de Davis como sustituto de Philly Joe Jones durante las
sesiones de Porgy and Bess. Cobb también apareció con Davis en la fecha
de 1958 de Adderley Somethin' Else. Fue con Davis que Cobb ganó su
mayor fama tocando junto a Adderley, John Coltrane, Bill Evans, Paul
Chambers y Wynton Kelly en 1959 en el histórico álbum del trompetista
Kind of Blue. Podría decirse que es la grabación de jazz más influyente y
conocida de la historia, Kind of Blue obtuvo una amplia atención por el
uso que Davis hacía de las composiciones de jazz modal, influenciado
por la obra de George Russell. Le siguieron varios álbumes más con
Davis, como el ganador del Grammy Sketches of Spain, Someday My Prince
Will Come, Live at Carnegie Hall e In Person: Friday Night at the
Blackhawk. Mientras estuvo con Davis, Cobb también grabó con Freddie
Hubbard, Art Pepper, Mark Murphy y muchos más.
A principios de
los años 60, Cobb abandonó la banda de Davis para trabajar con su
compañero de sección rítmica Wynton Kelly. Juntos, tocaron como trío con
el bajista Paul Chambers, respaldando a Wes Montgomery, J.J. Johnson y
Joe Henderson. Como trío, también publicaron un puñado de álbumes, entre
ellos It's All Right de 1964, Blues on Purpose de 1965 y Full View de
1967, y finalmente se separaron tras la muerte de Chambers en 1969. En
1970, Cobb se unió a la banda de Sarah Vaughan, pasando nueve años con
la cantante. También continuó con su extensa carrera como freelance,
tocando con luminarias como Sonny Stitt, Hank Jones, Ron Carter, Fathead
Newman, Nancy Wilson, Dave Holland y muchos otros. No fue hasta los
años 90 que Cobb publicó algún álbum con su propio nombre, debutando
junto a la vocalista Ada Montellanico con Encounter, de 1994. Only for
the Pure of Heart" le siguió en 1998 y presentó al grupo del baterista
con el pianista Richard Wyands, el guitarrista Peter Bernstein y el
bajista John Webber.
En 2002, Cobb rindió homenaje a su antiguo
jefe Davis con Four Generations of Miles: A Live Tribute to Miles, en el
que aparecían antiguos miembros de los distintos conjuntos del
trompetista, como el guitarrista Mike Stern, el bajista Ron Carter y el
saxofonista George Coleman. Cobb's Groove llegó al año siguiente, e
incluyó al pianista Wyands, al bajista Webber y al saxofonista invitado
Eric Alexander. El baterista también fue el centro de su propio álbum de
homenaje, el Marsalis Music Honors Series de 2006: Jimmy Cobb, en el
que Cobb tocó muchas de sus composiciones originales con el pianista
Ellis Marsalis, el saxofonista Andrew Speight y el bajista Orlando Le
Fleming. También ese año, se unió al bajista Christian McBride para New
York Time. El cuarteto Cobb's Corner llegó en 2007 y contó con el
trompetista Roy Hargrove, que también se unió a Cobb en el álbum de 2009
Jazz in the Key of Blue, que llegó justo después de que el baterista
fuera nombrado Maestro del Jazz del NEA.
Además de actuar, Cobb
se dedicó a la enseñanza, impartiendo clases magistrales en
instituciones tan estimadas como el Taller de Jazz de la Universidad de
Stanford, Parsons The New School for Jazz and Contemporary Music de
Nueva York, el Conservatorio de Música de Brooklyn-Queens. Tras sesiones
para Peter Bernstein, Federico Bonifazi, Steve Grossman y otros, volvió
a su propio trabajo en 2014, publicando la Smoke Session The Original
Mob con el guitarrista Bernstein, el pianista Brad Mehldau y el bajista
Webber. Una segunda Smoke Session siguió en 2019 con This I Dig of You.
Ese mismo año, el baterista se emparejó con el virtuoso de la armónica
alemana Hendrik Meurkens para Cobb's Pocket. Jimmy Cobb murió en su casa
de Nueva York el 24 de mayo de 2020, tras una batalla contra el cáncer
de pulmón. Tenía 91 años de edad. https://www.allmusic.com/artist/jimmy-cobb-mn0000350892/biography
Increasingly and with growing momentum, right up until he died at the young age of 55 in 2018, Roy Hargrove was a standard bearer for a new kind of African American jazz. The recipe embraced a variety of styles—jazz, Afro-Cuban music, funk, hip hop and soul—and it influenced a generation of musicians in jazz and beyond.
But Hargrove never abandoned jazz, the foundation stone of his style. Instead he regarded other genres as part of a rainbow of expression. "The spirit and energy that musicians are putting into it is the same," he told the San Jose Mercury News in 2003. "It's just a different way of speaking, a different dialect. I've been around all kinds of musicians, and if a cat can play, a cat can play. If it's gospel, funk, R&B, jazz or hip-hop, if it's something that gets in your ear and it's good, that's what matters." Hargrove shared this inclusive attitude with a contemporaneous, emerging generation of mainly Black jazz musicians in London, who, from around 2000, began revitalising British jazz with a similarly wide-screen approach. Take a bow, synchronicity.
Hargrove's band Crisol—Spanish for melting pot—represents a relatively conservative direction among his pot pourri of departures. It brought together American jazz and Afro-Cuban music and musicians, hardly a new thing in 1997, when the band released its Grammy-winning debut album, Habana (Verve). First-generation hard bop had included a similar strand from the get-go. But Habana was a magnificent album and is still a joy to listen to. And so is the follow-up, Grande-Terre, which was recorded in 1998 and has not previously been released. Check the opening track, "Rumba Roy," on the YouTube below. In all the essential characteristics it is classic hard bop. The Afro-Cuban rhythms and piano guajes are entirely of a type with those old Blue Note albums, though presented here with more prominence and played with more authenticity. While the band's personnel is almost entirely different from that on the first album—the only holdovers are trombonist Frank Lacy and percussionists Miguel "Angá" Díaz and José Luis "Changuito" Quintana—the groove is unchanged. Unchanged too is the policy of in-house composing. With the exception of Cedar Walton's "Afreaka," all the pieces were written by Hargrove or members of the band, much as on Habana , which had two covers, both by Kenny Dorham.
There are style differences. Guitarist Ed Cherry's beautiful comping is not classic hard bop, neither is the occasional use of electric keyboards, and the harmonies are sometimes a little more advanced than back in the day (the bittersweet horn voicings on "Lullabye from Atlantis," incidentally, sound remarkably like those written by British alto saxophonist John Dankworth for the soundtrack of Joseph Losey's mega-noir 1963 film, The Servant).
But basically, with Crisol, Hargrove was concerned with digging deeper into the hard bop tradition, refreshing it while not moving fundamentally beyond it. And he and the band do the music proud. Grande-Terre should ring the bell of all who love those enduring masterpieces by Art Blakey, Kenny Dorham and Joe Henderson, and their peers. https://www.allaboutjazz.com/grande-terre-roy-hargroves-crisol-verve-records
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Cada vez más y con un impulso creciente, hasta que murió a la temprana edad de 55 años en 2018, Roy Hargrove fue un abanderado de un nuevo tipo de jazz afroamericano. La receta abarcó una variedad de estilos (jazz—música afrocubana, funk, hip hop y soul) e influyó en una generación de músicos de jazz y más allá.
Pero Hargrove nunca abandonó el jazz, la piedra angular de su estilo. En cambio, consideraba otros géneros como parte de un arcoíris de expresión. "El espíritu y la energía que los músicos están poniendo en él es el mismo", dijo al San Jose Mercury News en 2003. "Es solo una forma diferente de hablar, un dialecto diferente. He estado rodeado de todo tipo de músicos, y si un gato puede tocar, un gato puede tocar. Si es gospel, funk, R & B, jazz o hip-hop, si es algo que te llega al oído y es bueno, eso es lo que importa."Hargrove compartió esta actitud inclusiva con una generación contemporánea y emergente de músicos de jazz principalmente negros en Londres, quienes, alrededor del 2000, comenzaron a revitalizar el jazz británico con un enfoque similar de pantalla ancha. Haz una reverencia, sincronicidad.
La banda de Hargrove, Crisol, que en español significa crisol, representa una dirección relativamente conservadora entre su popurrí de salidas. Reunió jazz estadounidense y música y músicos afrocubanos, algo que no era nada nuevo en 1997, cuando la banda lanzó su álbum debut ganador del Grammy, Habana (Verve). El hard bop de primera generación había incluido una línea similar desde el principio. Pero Habana fue un álbum magnífico y sigue siendo un placer escucharlo. Y también lo es el seguimiento, Grande-Terre, que se grabó en 1998 y no se había publicado anteriormente. Mira la canción de apertura, "Rumba Roy", en el YouTube a continuación. En todas las características esenciales, es el clásico hard bop. Los ritmos afrocubanos y los guajes de piano son completamente de un tipo con esos viejos álbumes de Blue Note, aunque presentados aquí con más protagonismo y tocados con más autenticidad. Si bien el personal de la banda es casi completamente diferente al del primer álbum, los únicos vestigios son el trombonista Frank Lacy y los percusionistas Miguel "Angá" Díaz y José Luis" Changuito " Quintana, el ritmo no ha cambiado. Tampoco ha cambiado la política de composición interna. Con la excepción de "Afreaka" de Cedar Walton, todas las piezas fueron escritas por Hargrove o miembros de la banda, al igual que en Habana, que tenía dos versiones, ambas de Kenny Dorham.
Hay diferencias de estilo. La hermosa composición del guitarrista Ed Cherry no es un hard bop clásico, ni el uso ocasional de teclados eléctricos, y las armonías a veces son un poco más avanzadas que en el pasado (las voces agridulces de la bocina en "Lullabye from Atlantis", por cierto, suenan notablemente como las escritas por el saxofonista alto británico John Dankworth para la banda sonora de la película mega-negra de Joseph Losey de 1963, The Servant).
Pero básicamente, con Crisol, Hargrove estaba preocupado por profundizar en la tradición del hard bop, refrescándola sin moverse fundamentalmente más allá de ella. Y él y la banda hacen la música orgullosos. Grande-Terre debería llamar la atención de todos los que aman esas obras maestras perdurables de Art Blakey, Kenny Dorham y Joe Henderson, y sus pares. https://www.allaboutjazz.com/grande-terre-roy-hargroves-crisol-verve-records
Louis Armstrong, Ella Fitzgerald, Bill Evans, Jimmy Smith, Kenny Burrell, Roy Hargrove, Oscar Peterson, Christian McBride, Vince Guaraldi, Ramsey Lewis...
AllMusic Review by Scott Yanow: "This sampler CD from Verve has ten ballad-oriented performances featuring altoist Frank Morgan that are taken from his four Antilles albums (A Lovesome Thing, Listen to the Dawn, You Must Believe In Spring and Mood Indigo). Serious collectors will want to pick up his complete sets, but those listeners who enjoy hearing Morgan's Charlie Parker-influenced alto at slower tempos may enjoy this overview. There are duets with guitarist Kenny Burrell and pianists Kenny Barron and Barry Harris, a vocal by Abbey Lincoln (on the passionate but somewhat unsuitable "Ten Cents A Dance") and cameos by trumpeter Roy Hargrove and Wynton Marsalis." source: https://www.allmusic.com/album/jazz-round-midnight-mw0000615470
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Reseña de AllMusic por Scott Yanow: "Este CD recopilatorio de Verve tiene diez interpretaciones orientadas a baladas que presentan al saxofonista alto Frank Morgan y que se toman de sus cuatro álbumes de Antilles (A Lovesome Thing, Listen to the Dawn, You Must Believe In Spring y Mood Indigo). Los coleccionistas serios querrán obtener sus conjuntos completos, pero aquellos oyentes que disfruten de escuchar el alto de Morgan, influenciado por Charlie Parker, a tempos más lentos pueden disfrutar de esta visión general. Hay dúos con el guitarrista Kenny Burrell y los pianistas Kenny Barron y Barry Harris, una voz de Abbey Lincoln (en el apasionado pero algo inapropiado "Ten Cents A Dance") y cameos del trompetista Roy Hargrove y Wynton Marsalis." fuente: https://www.allmusic.com/album/jazz-round-midnight-mw0000615470
Review by Steve Leggett Damn! marked Jimmy Smith's return to the Verve label after an absence of 20-plus years (he originally recorded for the label from 1963 to 1972), and paired with a group of young and sympathetic jazz players that includes Roy Hargrove and Nicholas Payton on trumpet and Ron Blake and Mark Tuner on sax, he sounds invigorated here, striding across the Hammond B-3 keys with definite energy. The whole album, start to finish, works a wonderful groove, but versions here of James Brown's "Papa's Got a Brand New Bag," Herbie Hancock's "Watermelon Man," and Charlie Parker's "Scrapple from the Apple" are particularly strong. Smith was arguably at his best in stripped-down trios, and his work for Blue Note between 1956 and 1960 will always be the quality reference point for his extensive canon, but Damn! is right up there with his best work, full of a joyous energy, and it sparked a resurgence of sorts for Smith. https://www.allmusic.com/album/damn%21-mw0000177033
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Crítica de Steve Leggett Damn! supuso el regreso de Jimmy Smith al sello Verve tras una ausencia de más de 20 años (grabó originalmente para el sello de 1963 a 1972), y emparejado con un grupo de jóvenes y simpáticos jazzistas que incluye a Roy Hargrove y Nicholas Payton a la trompeta y a Ron Blake y Mark Tuner al saxo, suena vigorizado aquí, dando zancadas sobre las teclas del Hammond B-3 con una energía definida. Todo el álbum, de principio a fin, tiene un ritmo maravilloso, pero las versiones de «Papa's Got a Brand New Bag» de James Brown, «Watermelon Man» de Herbie Hancock y «Scrapple from the Apple» de Charlie Parker son especialmente potentes. Smith estaba posiblemente en su mejor momento en tríos despojados, y su trabajo para Blue Note entre 1956 y 1960 siempre será el punto de referencia de calidad para su extenso canon, pero Damn! está a la altura de su mejor trabajo, lleno de una energía alegre, y provocó una especie de resurgimiento para Smith. https://www.allmusic.com/album/damn%21-mw0000177033
Review by Scott Yanow Trumpeter Roy Hargrove's debut as a leader found him occasionally recalling Freddie Hubbard but already sounding fairly original in the hard bop genre. On a quartet version of "Easy To Remember," Hargrove shows restraint and maturity in his lyrical ballad statement while featuring his strong bop chops on most of the other selections. Among the many other up-and-coming voices heard on this 1989 set are pianist Geoffrey Keezer (who contributes three originals and shows what he had picked up from McCoy Tyner), the fluid altoist Antonio Hart and drummer Ralph Peterson, Jr. Tenor-saxophonist Ralph Moore, pianist John Hicks and drummer Al Foster are also in the notable supporting cast. The one fault to the CD is that the performances and solos are often a little too brief, with all but "Whisper Not" in the 4-6 minute range. But for a debut, Roy Hargrove can still be proud of Diamond In The Rough. https://www.allmusic.com/album/diamond-in-the-rough-mw0000654915
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Reseña de Scott Yanow En su debut como líder, el trompetista Roy Hargrove recuerda ocasionalmente a Freddie Hubbard, pero ya suena bastante original en el género hard bop. En una versión en cuarteto de "Easy To Remember", Hargrove muestra moderación y madurez en su lírica balada, mientras que en la mayoría de las otras selecciones muestra sus fuertes habilidades para el bop. Entre las muchas otras voces prometedoras que se escuchan en este disco de 1989 están el pianista Geoffrey Keezer (que contribuye con tres originales y demuestra lo que ha aprendido de McCoy Tyner), el fluido contralto Antonio Hart y el batería Ralph Peterson, Jr. El tenor-saxofonista Ralph Moore, el pianista John Hicks y el batería Al Foster también forman parte del notable reparto de secundarios. El único defecto del CD es que las interpretaciones y los solos son a menudo demasiado breves, ya que todos, excepto "Whisper Not", duran entre 4 y 6 minutos. Pero para ser un debut, Roy Hargrove puede estar orgulloso de Diamond In The Rough. https://www.allmusic.com/album/diamond-in-the-rough-mw0000654915
